Capability Brown had and still have a cult following in UK music history as a "progressive" band, ultimately based on an outstanding piece from their second album, Voice. But largely their range covered mainstream pop music, treated in an "arty", alternative fashion. The band was a six-piece in which everyone sang and played instruments. The line-up consisted of Tony Ferguson (guitar, bass), Dave Nevin (keyboards, guitar, bass), Kenny Rowe (bass, percussion), Grahame White (guitar, lute, balalaika, keyboards), Joe Williams (percussion) and Roger Willis (drums, keyboards).
Ferguson and Nevin wrote the majority of the band's material, and the band also excelled in covers of obscure material (Rare Bird's Beautiful Scarlet and Redman, Argent's Liar, Affinity's I Am And So Are You and Steely Dan's Midnight Cruiser).
Capability Brown's forte was vocalizing. Together they sounded not unlike The Association: a massed choir of voices, ranging from baritone to high clean falsettos. Their first album, From Scratch, which included Liar, was average and unexceptional. The second album Voice, released in 1973, was their claim to fame, incorporating an over-20-minute richly melodic piece called Circumstances (In Love, Past, Present, Future Meet) - a stunning piece of music incorporating keyboards, a cappela voices, synthesizers and mellotrons, solo vocals, delicate harpsichord-like acoustic guitar sections, powerful electric guitar chords and massed vocal choirs.
The band did not manage to record again after this, and in 1974 Tony, Roger and Graham were recruited by friend and Christie member Roger Flavell to join his group, Christie for a tour of South America. Thus Capability Brown was no more. Progarchives.
Lead Guitar – Ian Buchanan (tracks: A1, A3, A4, B1, B2), Kurt Braunstein (tracks: A2, A5)
Lead Vocals – Ian Buchanan (tracks: A1 to A5, B1, B2, B5), Marty Brennan (tracks: A6, B3), Steve Winchell (tracks: A6)
Piano – Richie Gottherer
Back in 1964, folk label Elektra released an LP called The Blues Project, an anthology featuring such big names (in the folk scene at least) as Dave van Ronk, Geoff Muldaur, Spider John Koerner, and Danny Kalb (who went on to found a band called the Blues Project). And then there was one song by a guy named Ian Buchanan, who promptly disappeared from view… hence the title of this, his only LP. It came out in 1969, but the sound is more pre-1966 – very little of the juiced-up blues-rock pyrotechnics of groups like Cream; this is mostly understated and rather old-timey, although not as retro as Ry Cooder or Leon Redbone. Buchanan provides most of the lead guitar, which is not bad but not outstanding, and most of the lead vocals, which are frankly not great; he sings thinly, with a tendency to yelp, although sometimes he does a back-of-the-throat thing that’s kind of interesting. There’s some pretty good harmonica, and the rhythm section is fairly basic. The track selection is nice; the ones that stand out the most are “Tombstone”, with slide guitar and highly echoed vocals (neither by Buchanan); a sparse and haunting treatment of Robert Johnson’s “Me and the Devil”; and “Desert Blues”, a highly camped-up version of an old cowboy song by Jimmie Rodgers. Whatever happened to Ian Buchanan after this LP is not generally known.
The greatest "party record" of all time! Katz Kobayashi is one of the greatest steel guitar players to ever walk the earth. Just incredible. This is more than just a "covers" album and that is saying a lot because all but Kobayashi's "Hidariashi No Otoko" are covers. There are those who cover songs and those who develop a very rare, specialized skill doing it. Remi Aso is simply amazing. The whole band is off the chains! There is something very special about this record. Groups like Happy End would soon prove that Americana could influence Japan and you could sing in Japanese doing it, but at this time The Flowers were simply the peak of what was happening in Japan. This record will be well outside the "hipsters" circle of Japanese psych records; which are often brilliant but in no way make this record less fantastic for what it endeavored to achieve. If Kobayashi's steel guitar solo on "White Room" doesn't send chills down your spine, give up on music. The guy was not to be believed.
- Oliver Petry - organ (01-06), Moog synthesizer (05,06), vocals (06)
- Dirk Fleck - Fender bass (01-04)
- Rüdiger Braune - drums (01-04)
- Detlev Krause - guitar (05,06)
- Detlev Dalitz - bass (05,06)
- Bernd Frielingsdorf - drums (05,06)
Группа Cannabis India была основана в 1971 году Оливером Петри (орган, вокал), Дирком Флеком (бас) и Рудигером Брауном (ударные), все они являлись бывшими членами кавер-группы Futures. Буркхард Айк, бывший клавишник Futures, стал их менеджером. В самое ближайшее время им удалось составить репертуар для концертов, состоящий исключительно из собственных композиций в стиле классического рока. Оливер Петри, 1955 г.р., который несмотря на свой юный возраст, уже имел немалый опыт в музицировании (у него за плечами было семь лет обучения игре на классическом фортепиано), стал автором всех этих композиций.
Вскоре молва о немалом музыкальном потенциале Cannabis India распространилась по всей Германии, многочисленные концерты группы проходят в клубах, музыкальных пабах и на фестивалях (причём, вместе с такими исполнителями, как Kin Pin Meh, Beggars Opera, Earth Аnd Fire, Fumble, Eiliff). Следует особо отметить их выступление на IFA-фестивале в Берлине в 1973 году, концерт в первый день Wuppstock-фестиваля в том же году, под открытым небом, на сцене Wuppertal-театра. Приглашение сделать записи в студии фирмы SudWestFunk в мае 1973 года, получившие своё воплощение на этом диске, стало достойным признанием заслуг группы в то время. После записи диска, к группе Cannabis India из трёх человек присоединился гитарист Мартин Комштедт, бывший член провинциальной группы Solomon Jackdaw, но в 1974 году он покинул Cannabis India, чтобы присоединиться к Gate From Haan. С Gate From Haan он записал три альбома, два из которых были выпущены на известном лейбле Brain. Кстати, Оливер Петри поучаствовал в качестве приглашённого музыканта в записи второго альбома “Red Light Sister”, вышедшего в 1977 году.
Вскоре после ухода Комштедта Cannabis India распалась, а Петри основал группу Universe с остальными членами Solomon Jackdaw. Буркхард Айк снова стал менеджером группы, но, к сожалению, не столь успешным, как с Cannabis India, так что и Universe тоже распалась через несколько месяцев. До распада, однако, Universe успели записать две композиции Оливера Петри в студии Neugebauer в Дюссельдорфе, которые были включены в качестве бонус-треков в диск Cannabis India.
Члены Cannabis India снова собрались вместе в качестве музыкантов для проекта Fritz Muller Band. Фриц Мюллер (псевдоним Эберхарда Кранеманна), который был связан с Kraftwerk и Neu!, был в состоянии обеспечить услуги мастера записи и продюсера на студии Conny Plank. Вместе с музыкантами из Cannabis India он записал альбом “Kommt” на легендарной студии Roth-Handle. С музыкальной точки зрения альбом представлял собой смесь тяжёлых психоделических звуков, авангарда, панка и так называемой новой немецкой волны. Это был последний раз, когда бывшиt члены Cannabis India играли вместе.
Позже, барабанщик Рудигер Браун играл с Ramblers, первой группой поддержки Nena’s. Ещё позднее, с 1980 года, он был одним из основателей авангардной группы Kowalski, чья музыка в прессе того времени описана как металл-поп. Kowalski записали два альбома, “Schlagende Wetter” и “Over Man Underground”, выпущенные на Virgin наряду с несколькими 12-ти дюймовками. В девяностые годы Браун играл на барабанах в группе живой музыки Gianna Nannini’s, также отметившись на нескольких её альбомах.
Басист Дирк Флек основал рок-группу Mama вместе с уже знакомым нам гитаристом Мартином Комштедтом, с которым также поучаствовал в живом туре Джанни Наннини.
Оливер Петри стал солистом группы Empire из Мёнхенгладбаха (вместе с басистом Дирком Флеком и другими). Вместе они записали один альбом, выпущенный в 1981 году, и один сингл на студии Repertoire records. В последующие годы Петри также много работал в качестве студийного/приглашённого музыканта, вокалиста и клавишника. В конце восьмидесятых годов четыре его композиции были записаны певицей Тиной Чарльз, но в свет их так и не выпустили. В 2000 году он записал восемь песен на своей собственной студии в Кёльне в стиле поп, сочинённых им самим. В настоящее время Оливер Петри работает независимым веб- и графическим дизайнером, а также саунд-дизайнером веб-сайтов (его работы можно увидеть и услышать на сайте www.jermai.de), планирует и, просто так, для развлечения, некий музыкальный проект с рабочим названием “The Unbrothers” и с записью голосов настоящих итальянских теноров.
Reign Ghost was a late '60s rock group from Oshawa, Ontario, Canada. The member lineup was a changeable one, consisting at one time or another of singer Lynda Squires, guitarists Bob Bryden and Jim Stright, keyboardist Dave Hair, bassists Jerry Dufek, Russ Erman, and Joe Gallant, and drummers Helge "Rich" Richter and Bob Stright. In 1968, the band signed with the Allied Records label. The result was a self-titled album released in January of the next year. The band dissolved after that, but was quickly reborn under the same name. Still with Allied, the group tried once again to make a go of it, but by 1970 they gave in and moved on to other projects.
This cheerfully eccentric band of refugees from the UCLA jazz program made just this one 1974 album, perhaps never fully realizing their potential. Their role models, Spike Jones and His City Slickers, and the Bonzo Dog Band, were only just getting warmed up on their first releases. Tho they suffer a bit from the "we're so wacky!!" affliction, but they get a pass, as there are far too few musical anarchists like this who have the chops to play jazz and classical but make the noble decision to throw away all artistic 'credibility' in the name of eclecticism and absurdist humor. And the Roto Rooters were def on the right track, showing a healthy irreverence towards classic rock ("Purple Haze") and classic classics ("The Sabre Dance"), covering campy oldies like Shirley Temple's "On The Good Ship Lollipop" and singing cowboy Roy Roger's signature sign-off song "Happy Trails." (Supposedly Van Halen got the idea to end their shows with "Happy Trails" from these guys.) For some reason folkie label Vanguard Records put this one out. Granted, they also released Perrey & Kingsley's Space Age Moog-sterpieces, but still, a strange choice, and perhaps no surprise that this album sold about 12 copies before dropping off the planet. (My recently-purchased copy was still in the shrink-wrap!)
If we extend the definition of the pre-punk L.A. 'Freak Scene' beyond Zappa's immediate circle of outsiders and oddballs (Wild Man Fischer, Cap. Beefheart, The GTO's, etc). we'll find plenty of like-minded loonies that followed in their wake, inc. The Los Angeles Free Music Society, the art/music axis of Mike Kelley/Jim Shaw/Destroy All Monsters, radio host/music archivist Dr. Demento, The Mystic Knights of the Oingo Boingo, Zoogz Rift, the Rhino Records label, and these chaps. What the 'freaks' had in common was a rejection of the SanFran 'hippie' attitude, a love of old-timey musics, jazz /improvisation and avant-classical, and a whacked-out sense of humor. They may have liked some psych rock, but had no interest in being 'mellow', they were in-your-face cynical smart-asses. Raised on 'Mad' magazine, they were among the first to realize that the 20th century had already produced a huge slew of ignored pop-cultural waste - monster movies, thrift-store records, bad TV - just waiting to be creatively recycled. 'Avant-tarde,' decades before that phrase was coined. Jazz music had just died after the glorious supernova of electric Miles, H. Hancock, etc, and had quickly settled into it's current bland 'smooth-jazz' zombie-fied afterlife, rock had not yet experienced the punk Big Bang that would create a viable DIY culture, and the classical avant-garde was snugly tucked into it's academic ivory tower. There wasn't much 'alternative' culture at the time - you had to swim in the mainstream, or quickly sink into obscurity. And much of the above-mentioned stuff was indeed pretty obscure. Even the 'famous' names like Captain Beefheart never rose above the club/mid-size venue level, and certainly never came near the Top 40.
But there was one glimmer of independence - the afore-mentioned Dr. Demento show. A Sunday night radio show from LA specializing in comedy/novelty records that became a fixture on virtually every American FM rock station, "The Dr. Demento Show" was geared towards youngsters, and admittedly featured plenty of sophomoric yuks. But it was also a free-form free-wheeling forum for strange and forgotten sounds of any era or genre, from old 78s to unsolicited demos. Barry Hansen (Dr. D.) would actually listen to anything that hit his mailbox. The RRGCB sent in one such tape and became the first of his discoveries, quickly becoming the house band for the show. Their version of a Dr. D. hit, the great Big Band oddity "Pico and Sepulveda" (included on this album) became the program's theme song. They also provided incidental music for the show, such as the weekly top ten/Funny Five jingles. For lots of videos (inc. an otherwise unwaxed cover of "Jollity Farm") check out their
A previously unreleased cult Norwegian psych-jazz OST from 1969! A hell of a jazz soundtrack from the Norwegian scene of the 60s – and a record that can easily go head-to-head with the best Italian film scores of the time! The movie's about some young kids trying out some new frontiers in the 60s – and the music has a vibe that really fits the story – sometimes more in a jazz club vein, with great soulful styles – sometimes a bit more freaked out, like those Italian soundtracks that add a slight psychedelic current to familiar instrumentation! Most numbers here are discreet jazz tracks, not just short soundtrack instrumentals – and the musicianship is wonderful, and much more fully-formed than if the tunes were brief. Players aren't listed, but the notes indicate that some top Norway jazzmen performed on the date – and titles include "Zatek's Tema", "Club 13", "Pytagoras", "Heaven & Hell", "Mote Med Hasj", and "Vigelandsparken". The album also features one vocal track – Inger Lise Andersen singing "Heaven & Hell".
Owen-B (named after the band's black and orange 1954 Mercury), has an interesting, if rather convoluted background.
Born and raised in Mansfield, Ohio singer / guitarist Terry Van Auker and multi-instrumentalist Tom Zinser got their starts playing in a number of local bands, including Tommy Z And The Sleepers. By 1967, the two were playing in an outfit known as Wildlife. Popular on the local club scene, an audition for Columbia went well, but the company's interest was contingent on the group agreeing to dump their then lead singer Lou Basso. Reluctantly, the rest of the band agreed to the personnel change, subsequently recording a number of demos for the label. The partnership was brief, resulting in the release of one instantly obscure single: 'Time Will Tell' b/w 'Hard Hard Year' (Columbia catalog number 4-44369).
Back on the club circuit, 1969 saw another personnel change with former Crazy Elephant / Music Explosion drummer Bob Tousignant (aka Bob Avery) signing on. Another name change followed, with Owen-B emerging.
Unable to interest another major label in their material, the group elected to go the self-issued route. Consequently, 1970's cleverly-titled "Owen-B" was released on their own Ohio-based Mus-i-col label. Self-produced, anyone expecting to hear another set of mid-1960s blue-eyed soul / garage was probably somewhat disappointed by the album. Similarly, anyone buying into dealer hype claiming this was a set of mind melting psych was going to be disappointed. Those comments aren't meant to be taken as criticisms since the collection is quite commercial and somewhat of a lost classic. Featuring ten band-penned originals, musically the set bounced all over the spectrum, including stabs at stoner acoustic folk ('All We Are Asking'), pop ('My Friends'), country-rock ('Weekend'), and conventional hard rock ('Share'). Normally, something as diverse wouldn't hold up particularly well, but when packaged with killer melodies, great harmony vocals, some first-rate guitar (courtesy of Terry Van Auker) and a real sense of fun and enjoyment you ended up with one of the rare exceptions to the rule. Personal favourites include 'Leavin' It All Up To You' and 'Out On My Own' (which add a bit of progressive complexity to the mix). Easy to see why folks hype the album, even if it isn't for the right reasons. Shame they didn't record a follow up set.
Where to begin and what to say about Tinkerbell’s Fairydust and a vinyl record that is one of the most highly sought after among collectors, not because of the music, but because of the rarity.
Despite being praised by John Peel, who seems never to have heard a song he didn’t like, after a couple of singles and BBC radio airplay, Tinkerbell’s Fairydust set themselves up for a series of problems. First, they were never able to secure the rights to the name Tinkerbell, and second, they never even attempted to secure the rights to the songs they covered on this album … with the opening track “You Keep Me Hanging On” being a Supremes’ cover, though Tinkerbell’s Fairydust covered the Vanilla Fudge version of the song, leading me to ask, “Why in the world would they decide to do a cover of a cover?”
One would think that in band containing no less than eight players, that at least one member would have the talent to come up with some original material, or at least the chops not to record covers of some of the most unhip AM radio friendly sunshine harmonic pop successful songs of the era, songs that included the Association’s “Never My Love,” “Lazy Day” by Spanky & Our Gand, and the oh so silly, “The Worst That Could Happen” by the Brooklyn Bridge … and they don’t even cover these songs equally as well. And worst of all, the band envisioned themselves a straight ahead psychedelic rock n’ rollers, even branding themselves with a name that was drug suggestive. Nevertheless, in 1969 Decca shined a light on Tinkerbell and they cut their record [SKL/LK 5028], with suggestions that this was for the Japanese market only, as their singles seemed to be hits here, with the cover of “Lazy Days” going head to head with none other than The Beatles’ “Hey Jude.” Now to Decca’s credit, it was instantly recognized that this record was going to be a monumental flop, so the album was pulled, leaving an actual handful of vinyl that survived … two test-pressings and perhaps four finished copies that as I said, jettisoned these records into the stratosphere when it came to collectors.
Of course, with the value of these records few had actually heard them, and rumors, as rumors will, abounded around this release, with the record’s value being in the rarity, and no one citing how bad the music actually was, meaning that those wearing the suits and ties of the recording industry saw these outrageous prices as some sort of indicator, and thought this meant that some hidden gem had escaped them, that people would be clamoring at the gates for a copy, and to that end, Tinkerbell’s Fairydust was reissued in 1998 as both a CD and a vinyl LP.
In all honesty, I cringe when I even say Tinkerbell’s Fairydust, and fall to the ground laughing when people try to tell me that the ups of the music far outweigh the downs, that the cover of “You Keep Me Hanging On” is overlooked and hard rocking, that the music is gritty and even adventurous, that other tracks [and all were laid down in 1967] such as ”Twenty Ten” was a forward looking saga into the pastoral progressive sounds solidly made famous by the likes of Barclay James Harvest or the Moody Blues, implying that Tinkerbell’s Fairydust were some sort of Sgt. Pepper forerunners of all things to come.
All that the reissues have done is to drive down the value of the originals, with people squaring off as to the value of the music, which should probably remain under appreciated and overlooked for all time.
*** The Fun Facts: Tinker Bell [actually two words] was a character from the 1904 play “Peter Pan” by J.M. Barrie, and the novel “Peter and Wendy.” A ‘tinker’ was someone who had the skill to do metal working, hence Tinker Bell was a fairy who mended the pots and kettles in the fairy community, with her speech composed of the sounds of tinkling bells, and only understood by those familiar with the language of fairies. Actually her ‘dust’ was not called ‘fairy dust’ [again two words] but ‘pixie dust.’
Сингапурские вишни чередовали свои работы с огромным количеством кавер альбомов,ухитрялись загнать на один альбом вроде бы несовместимых авторов и при этом звучит все весьма органично а в наши дни и совершенно ностальгически !
October Cherries
During the late 60s and early 70s, The October Cherries were one of the most innovative local groups in Singapore and Malaysia. They have about 20 albums to their credit. They started their recording career as The Surfers, and branched out on their own as the October Cherries and Jade & Pepper in the later years. They founded their own label Baal Records in the late 60s
Замечательная группа,один из забытых алмазов 60-х.в духе тех славных лет !👌
Рецензия с дискоса
Putting this album under wraps after it’s completion in 1967, and but one single “Skipping Through The Night” / “Going Home” released on Smash Records NGC-4594, most of the world have never heard of NGC-4594 or their heavily oriented pop acid soaked tunes with a deeply buried blues background that come across much like the bands Blues Project, Love and Spirit.
NGC-4594 attempted to lay down a foundation of harmonies, yet it’s when they stop singing that they shine, where their guitar meanderings blossom very much in and of the times. As with many of the bands of the day, the vocals, essentially the lyrics, were very important, a hangover from what was demanded from AM radio, yet these vocals ground the music, refusing to let it soar, which is the direction [in my opinion] that they should have headed, as they were on the cusp of a musical sea-change, yet they didn’t venture into the smoothness that was being demanded by lysergic fueled heads. That being said, the band was genre-ly all over the map, infusing bits and pieces of jazz, swing, rock, folk, but not together as a whole, with nearly each number existing within its own space, and with its own soul, meaning the band never managed to forge a path that listeners were able to follow and connect with.
I would not be at all out of line by saying that the band sounds kind of sloppy, sort of an east coast jazzier version of The Doors [in fact, NGC-4594 did open for The Doors], laced with Timothy Leary-esque acid visions of ego, clear light, inner flight, inner connections, and “The Tibetan Book Of The Dead,” a haunting sort of mystic obliteration of the self, with Dave Bliss saying that, “We were singing almost exclusively about drug experiences” in the liner notes. Though like so many other groups of these hazy times, their star burned out long ago, yet the light from that star continues to travel across the cosmos.
If it’s any consolation, it took me three attempts to get through the album, where on the third attempt, I managed to make it uncomfortably all the way through. This is not a record most people will enjoy, it’s not comfortable, certainly you will not be delightfully couch-bound while listening, and for all intent and purposes, should be seen as a musical link in a timeline of the forgotten.
*** The Fun Facts: With band members admitting that the band’s name was “eminently forgettable,” it came into fruition in true hippie fashion, NGC-4594 was picked while flipping through an astronomy book. NGC-4594, regarded as one of the most majestic of all of the galaxies in the Universe, also known as the Sombrero, about 28 million light years away in the constellation of Virgo. This spiral galaxy has several notable features, it consists of a thick torus-like disc with a dark duty rim and the intense bulbous white glow that emanates from its core, along with a colourful dust lane / ring that crosses in front of the galaxy. The galaxy was discovered in 1781 by Pierre Mechain.
Several members of the band where essential in forming The Tribe, a commune on Coventry Lake.
Steve Strager went back to school though did form another band called Sunshine in the early 70’s that sounded much like Earth Wind & Fire, and managed to open for Steely Dan when they played in Waterbury.
Високосное лето — советская рок-группа, основанная московским гитаристом-вокалистом Александром Ситковецким и клавишником Крисом Кельми летом 1972 года.
«Високосное лето» было создано на обломках двух менее известных групп, «Аэропорт» и «Садко». Сначала группа исполняла англоязычный материал. Позже сложился удачный союз группы с рок-поэтессой Маргаритой Пушкиной.
Выступления состояли из трёх частей: арт-роковая песенная программа (40 минут), опера «Прометей Прикованный» (45 минут), рок-н-роллы (30 минут).
Команда распалась в 1979 году из-за противоречий между создателями. После раскола Кельми создал «Рок-ателье», Ситковецкий — «Автограф». Кутиков и Ефремов перешли в «Машину времени», в которой Кутиков ранее играл до 1975 г.
В 1995 году вышел сборник «Лавка Чудес» (CD).
К сожалению, группа «Високосное лето» недолго просуществала – всего 6 лет и 10 месяцев (до весны 1979 года). Не имевшая подражателей, группа стала уникальным явлением московской и советской рок-сцены, продемонстрировавшая невероятно высокий композиторский и исполнительский уровень, о которой не забыли до сих пор.
Гарик (Георгий) Крутов и Горик (Георгий) Седов познакомились в 1964 году, когда учились на первом курсе Московского инженерно-физического института.
Однажды находясь в одной компании, Горик услышал музыку, которая его потрясла до глубины души. Так как Горик являлся счастливым обладателем магнитофона «Гинтарас», он попросил переписать ему понравившуюся музыку. Вот только никто не знал, как называется ансамбль, который ее исполняет.
Спустя несколько недель во время занятий по военной подготовке, когда был перерыв между парами, Горик поднимался по лестнице своего родного МИФИ, как вдруг обнаружил, что у окна стоит человек и поет песню из той самой пленки. Горик начал подпевать ему, а этот человек вдруг начал делать второй голос, чем, конечно, категорически его убил. Это и был Гарик, который и поведал своему новому товарищу, что эту музыку исполняет ансамбль из Ливерпуля «Битлз», а альбом называется «Hard Days Nights».
У Гарика с собой был толстый журнал, который назывался «Golden Beatles», в нем были напечатаны все тексты и гитарные аккорды, которые «Битлз» к тому времени успели записать.
И вместо лекций, стоя у окна, Гарик и Горик листали этот журнал и в хронологической последовательности, как они были написаны, пели все эти песни, вместо того, чтобы заниматься начертательной геометрией или осваивать какие-либо еще науки. Вот так начиналось плавание московских «Аргонавтов»...
Предтечей группы «Аргонавты» была группа «Гарик и Горик», которую в 1964 году собрали студенты Московского инженерно-физического института Георгий Седов и Игорь Крутов, игравшие на акустических гитарах. Первое выступление дуэта «Гарик и Горик» состоялось зимой 1964 года в английском клубе МИФИ. В концерте также принимал участие однокурсник Седова и Крутова контрабасист Юрий Андреев Они исполняли тогда еще не модный биг-бит, а американские фолк-песни.
Лидеры «Аргонавтов» Георгий Седов и Игорь Крутов рассказывали, что мысль о создании собственной бит-группы у них появилась после того, как в феврале 1965 года «Сокол» побывал с концертом в их родном МИФИ. Фактически тогда они в первый раз услышали настоящую русскую бит-группу. Испытав шок, «Аргонавты» все лето провели во Дворце культуры в Тушино, репетировали каждый день, а осенью, когда все вернулись с каникул, устроили совместное с «Соколом» выступление в кафе «Спорт» в Лужниках. Рассказывают, что когда «Аргонавты» начали играть, лица их друзей-«Соколов» постепенно вытянулись: они не ожидали, что кто-либо сможет угнаться за ними. «Аргонавты» (Георгий Седов - гитара, вокал, Игорь Крутов - бас, Юрий Радашевич - барабаны, Владимир Силантьев - гитара, Владимир Шамис - клавиши, Вячеслав Атран - администратор).
Когда в 1966 году группа «Сокол» уехала на полуторагодовые гастроли от Тульской филармонии «Аргонпавты» заняли лидирующую позицию в московском рок-сообществе. Они исполняли ритм-энд-блюз и пытались писать песни на родном языке. Массовой популярности «Аргонавтов» способствовало то, что группу несколько раз показали по телевидению в «Голубом Огоньке». После одного из «Голубых Огоньков» композицию «Кремлевские куранты» некоторое время (около полгода) использовали как заставку к завершению передач на втором общесоюзном канале.
От тех веселых лет сохранилась заметочка, опубликованная в многотиражной газете Московского физико-технического института «Неделя физтеха» под названием «Аргонавты» плывут на физтех»: «22 октября в клубе «Романтики» состоялось и имело большой успех выступление вокально-инструментального ансамбля «Аргонавты». Перед выступлением пронесся слух, что приехали «московские The Beatles, но «Битлзами» их назвать нельзя, хотя бы потому, что в их репертуаре нет ни одной песни этой знаменитой английской группы. В составе оркестра - две электрогитары, электронное пианино (органелла), и ударник. Надо сказать, что «Аргонавты» отнюдь не копируют произведения зарубежных авторов, большинство их них исполняется в собственной обработке, иногда очень оригинальной, кроме того - в репертуаре ребят до десятка собственных произведений. Ансамбль еще очень молод, он создан в январе-феврале этого года. Ребята совмещают свою работу в оркестре с учебой в институте, они учатся кто в МИЭМ, кто - в МИФИ. По специальности - все электронщики. Может быть, поэтому у оркестра очень много электронной аппаратуры».
На разогреве у «Аргонавтов» обычно выступал певец, которого в Москве все звали Гриша Лопес, хотя его настоящая фамилия была Захаров. Его так прозвали за то, что он один в один исполнял весь репертуар популярного тогда в столице латиноамериканского певца Трини Лопеса.
В 1967 году у «Аргонавтов» появилась солистка Галя Зайдель. Она писала песни в стиле модной тогда Ады Якушевой. «Аргонавты» аранжировали ее произведения под мягкий бит. Это очень импонировало редакторам с телевидения: молодая девушка поет написанные ею самой лиричные и нежные песни, выдержанные в популярных молодежных ритмах. По всей видимости, Галя Зайдель была первой певицей в нашем рок-сообществе.
Вообще-то самой любимой бит-группой у телевизионщиков был фолк-дуэт «Зеленый огонек», которая состояла из двух таксистов. Это была настоящая «пролетарская» бит-группа, что было очень кстати идеологически. Ну, а дальше по телевизионному рейтингу шли студенческие ансамбли, и первыми в том списке стояли «Аргонавты». Группа уже была, что называется, в «обойме», и когда нужно было показать достаточно современную, но еще не тлетворную молодежь, то вспоминали про них.
История «Аргонавтов» прекратилась в 1970 году, когда участники ансамбля окончили свои институты и перед ними встала проблема дальнейшего выбора жизненного пути. В принципе, музыкантам из группы «Аргонавты» неоднократно предлагали пойти на работу в филармонию, но они всегда отказывались. «Я хорошо помню, - рассказывает барабанщик ансамбля Юрий Радашевич, - как нас приходили агитировать два респектабельных и достаточно пожилых человека. Они пришли к нам на репетицию в институт имени Вишневского и упорно уговаривали нас пойти в филармонию, говорили, что лично станут заниматься нашим ангажементом, организовывать нам концерты, что у нас все будет в порядке, что у нас всегда будет в кармане солидная пачка денег, то есть активно нас обрабатывали. Звучало все довольно заманчиво, но мы отказались сразу. И не то, чтобы мы решили подумать, мы сразу сказали им «нет!», потому что никто не хотел из рока делать профессию. Цель была ясная, все тогда знали: кончил институт - теперь можно писать кандидатскую диссертацию. И это было нормально».
Реального шоу-бизнеса у нас в стране еще не существовало и вокально-инструментальных ансамблей было мало, то профессия инженера (физика, химика и пр.) выглядела более стабильной. Об этом говорит лидер-гитарист «Аргонавтов» Георгий Седов: «Мы закончили играть, как только начались распределения на работу. Можно было, конечно, уйти на вечерний факультет и продолжать играть, но всем хотелось прежде всего получить образование и нормальную работу, потому что нам совершенно не хотелось посвящать року всю свою жизнь, так как благодаря участию в различных конкурсах, мы посмотрели, как работают профессионалы и что им приходится играть и это произвело на нас тоскливое впечатление. Мы увидели, насколько это неустроенные и озлобленные люди, что они вечно без денег, что их жизнь - это постоянные переезды... Мы хорошо понимали, что играть то, что ты хочешь, ты не будешь, а ты будешь играть то, что тебя заставят. И мы решили, что для нас важнее нормальная работа и стабильная профессия. А рок - это просто хорошее увлечение».
Когда эпопея «Аргонавтов» уже закончилась, Георгий Седов пытался вместе со своим братом сделать ансамбль, некоторое время на басу у них даже играл Кутиков, но в итоге ничего из этой попытки не вышло. «Не надо забывать, - объясняет Георгий причину этой неудачи, - что пока мы были студентами, то можно было выкроить время для репетиций, а потом ночку не поспать, чтобы подготовиться к зачету. А когда пошла работа и семьи (многие ведь женились), какая уж тут рок-музыка? Это положило конец многим группам...»
В начале XXI века музыканты группы «Аргонавты» Георгий Седов и Владимир Силантьев подготовили римейк своих старых хитов. Во время работы над этой записью сочинились и новые песни. https://abrgen.ru/muzika/luchshie_otechest/argonavty-moskva/
Группы с Индонезии и тп. часто напоминают наши ВИА 70-х.Здесь нет конечно не блюза не психоделии.тем не менее для расширения музыкального горизонта весьма не вредно 👌
C-blues
C'Blues was not a band that played the blues. C'Blues itself comes from the Sundanese language seblu which means limp or dirty. Then it is played as if it were in English.
The 6th personnel formation in 1972 consisted of the late Adjie Bandy (vocals, violin, saxophone, piano and vibraphone), Achmad Luther (keyboards), Idang (drums, vocals), Nono (bass, vocals) and Bambang (guitar, vocals). vocals), then the name C'Blues is known to the public
C'Blues has the idea of maximizing the brass section in their musical arrangements. They play pop music, but sometimes unexpectedly incorporate elements of rock,
C'Blues then launched their second album. In this album, a hit sung by Adjie Bandy with the title "Ikhlas" emerged. I think this song is the most popular in C'Blues' musical journey.
Любопытные бразильцы в составе: Aramis (guitar, violin, vocals), Fernandinho (guitar), Elydio (bass), Roosevelt (keyboards) и Max (drums), записали всего один альбом и растворились. На этом альбоме они играют неплохой вариант психоделии, несколько треков исполняются на английском языке. Есть и жёсткие гитарные вещи (открывающая альбом "Inferno No Mundo (Hell The World)" или "Rock Dream", к примеру), есть лиричные композиции ("Mas Senti (But I Felt)" и "Geninha", отдающая босса-новой), есть треки, напоминающие THE MOVE (например, песня "Marta, Zeca, O Padre, O Doutor (Marta, Zer'ca, The Priest The Mayor, The Doctor & Me)"), заключительная "Ode To Billy" - хард-рок в чистом виде. В целом - психоделический хард-рок, некоторые даже сравнивают его со вторым альбомом LED ZEPPELIN. Весьма редкий релиз, на CD долго не переиздавался, только на виниле да и то не на родине группы, а в Германии.
Psychedelic progressive band from Northampton, UK. They were formed as Crystalline, becoming Axe in 1969. Although they are documented as existing through to 1974, during their lifetime they never got further than an acetate/demo of their album, and a few live recordings. All known recordings were released decades later.
AXE were one of the most obscure acts in the field of psychedelic rock and hard rock of the late 60's.
They made a handful of acetate copies of an album in 1969, named "Music" in the original version (or "Axe Music" if alternate sources are correct; and also released as "Live & Studio"), and in more recent years a live concert with the band performing cover versions of various tunes have emerged as a CD named "Live 1969".
The line-up consisted of Vivienne (Countess Vivienne according to some sources) on vocals, A. Barford (guitars). R. Hilliard (acoustic guitar), M. Nobbs (bass), S. Gordon (drums, percussion).
